Сансуй художника Коукеи Кодзима
Коукеи Кодзима (小島光径) — современный японский художник, который создает свои работы на шелке в стиле «сансуй». Умиротворяющие пейзажи выполнены в той характерной творческой манере, за которой однозначно стоит азиатский художник, тонко чувствующий, аккуратный, неспешный. Коукеи Кодзима (Koukei Kojima) тщательно взвешивает каждый штрих, каждый мазок, делая их идеальными, а цвета — нежными и приглушенными, словно они подернуты туманной дымкой свежего весеннего утра. И потому картины выглядят немного выцветшими, старинными, словно передаются из поколения в поколение уже много десятков лет и наследуют, кажется, японскую живопись тушью Суми-э.
Термин «сансуй-га» в японской живописи означает «картины гор и вод». Горы – символ мужского, твердого и устойчивого, начала Янь. Вода – символ женского, текучего и изменчивого Инь. Эти противоположности всегда вместе, их единство рождает гармонию мира.
Коукеи Кодзима изображает идеальную Японию с неподвластной времени красотой горных уголков. Основная тема – вечный круговорот времен года и жизнь, струящаяся, как вода в горных реках. Обязательной, но очень малой частью почти в каждом пейзаже присутствует человек — крестьянин, живущий простой жизнью в согласии с природой. Все естественно и просто, по принципам эстетики ваби-саби. Никаких бурных страстей, лишь радость созерцания и радость мирного труда…
Пейзажи Коукеи Кодзима выглядят не просто чарующе и нежно, а еще очень по-японски. Рассматривание этих пронизанных нежностью работ вносит гармонию в душу созерцателя. Созданная им природа подчеркнуто спокойна, а изображенные люди настолько крошечные по сравнению с гигантским великолепием, что это сочетание настраивает на минорный лад и философские размышления.
Коукеи Кодзима. Размеры работы — 190см на 54см
Тончайшая пейзажная живопись воспроизведена на натуральном шелке – традиционном материале Японии. Любители традиционных русских пейзажей в картинах классиков Репина или Шишкина ощутят навеваемую Коукеи Кодзима меланхолию. В них не много света, солнца, ярких цветов и ощущения энергии природы. Зато чувство красок и их сочетаемости доказывают, что полотна написаны рукой настоящего Мастера.
Картины, на которых цветут речные ирисы, нависают деревья над рекой, где плещется форель. Летом свежий ветер дует с реки и моросит теплый дождь, а зимой царит снежная тишина… Весной цветет сакура, а осенью золотые деревья молча роняют на землю свой наряд…
2020-03-23T11:56:24+03:00Рубрики: Искусство|
Проблемная близость
Решение четко отделить «японскую» живопись ( нихонга ), основанную на чернилах, органических и минеральных пигментах, от так называемой «западной» масляной или акварельной живописи, подчеркивает промежуточное положение некоторых практик, таких как практика Сибаты Зешина (1807-1891). , художник, очень известный в Японии, который выставлялся в Вене на Всемирной выставке 1873 года , первой, на которую была приглашена Япония, а также на Всемирных выставках в Филадельфии и Париже. Этот художник изобрел процесс рисования лаком, похожий на масляную живопись. Кроме того, Кавамура Киё (1852-1934) затем практиковал масляную живопись на шелке и дереве. Эти подходы, сочетающие техники и стили, отчасти характеризуют эклектичный вкус эпохи Мэйдзи .
Натюрморты
Слову «натюрморт» в Японии соответствуют два китайских иероглифа «тишина» и «предмет», и воспринимается это название как «композиция из предметов, которые лежат в тишине». Предметы на натюрмортах в живописи тушью должны выглядеть объемными, но при этом художник обходится без света и тени, которые мимолетны, изменчивы и преходящи. В натюрморте должны быть показаны предметы — без линии горизонта, без обозначенной поверхности стола и, главное, без выписанного заднего плана.
Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»
Пространство натюрморта — космос, но художник не покоряет его, создавая пространство картины, скажем поверхность стола. Автор сам погружается в космос, проникая в плоскость картины. В мировом пространстве сливаются вечность и повседневность. Космос самодостаточен, самостоятелен, но не закрыт: он вокруг нас — в любом творении природы.
О живописи суми-э
Японская живопись «суйбокуга» («суй» — вода, «боку» — тушь, «га» — изображение) или «суми-э» («суми» — тушь, «э» — картина) — это искусство письма тушью по бумаге или шелку, которое пришло в Японию из Китая в конце VII веке и трансформировавшись, стало частью национальной японской традиции.
Произведение живописи «-суйбоку» чаще всего представляет собой вертикальный свиток, оформленный цветным шелком, на котором мы видим монохромное изображение, где сюжет написан лишь намеком и как бы «тает» в пустом пространстве листа.
Асимметрия, простота, лаконичность, естественность, сдержанность, стремление через внешнюю форму выразить внутреннюю скрытую суть вещи или явления – вот основные принципы, которыми руководствуется художник при создании рисунка.
В основе обучения рисованию и создания произведения лежит практика копирования работ старых мастеров, которая делится на три уровня: точная копия, повтор сюжета и свободная импровизация.
Высокой степенью мастерства считается умение, вдохновившись известным произведением, написать свой сюжет и показать авторскую индивидуальность. Такой подход в восточной традиции не является зазорным, а наоборот, показывает уровень образованности художника, его знание истории художественных произведений, литературных и сезонных сюжетов и т.п.
Традиционно предполагается, что зритель так же достаточно образован, чтобы понять, что лежит в основе изображения, и что привнес в него художник. Важную роль играет пустое пространство листа, оставленное для зрителя, чтобы он мог мысленно дописать сюжет и стать соучастником создания выставленного произведения.
Материалы для живописи: тушь, тушечница, кисть, бумага не похожи на европейские. Бумага быстро впитывает тушь и воду и не позволяет исправлять уже написанное. На освоение технических приемов, которые надо довести до автоматизма, требуется много времени и максимальная концентрация внимания. Большой выбор кистей разного размера и качества ворса позволяет писать самые разнообразные мазки от тончайших линий до огромных пятен и сухих штрихов, которые показывают не только характер и фактуру предметов, но и настроение автора.
Когда пишется работа, автор не думает о технике, не делает подготовительного рисунка — по сути, он пишет свое впечатление и эмоциональное состояние, которое появляется от созерцания изображаемого объекта или воспоминания о нем. Такой способ самовыражения предполагает, что работа выполняется с одного захода, не прерываясь и не допуская исправлений. Задуманная идея может переписываться много раз, пока художник не будет доволен результатом.
Как и в старые времена в качестве основных сюжетов живописи «суйбоку» выбираются явления и образы природы – пейзажи, растения, животные, птицы, цветы и плоды. К туши может добавляться краска в небольшом количестве, но все же показателем мастерства является черно-белое изображение, где разнообразными оттенками туши художник умеет показать всю палитру цветов.
В настоящее время границы сюжетов раздвинулись, и многие мастера пишут в свободной манере, отражая жизнь во всём её многообразии.
Теперь любая тема, написанная тушью на японской или китайской бумаге, может стать произведением живописи «суйбокуга».
Тэммёя Хисаси «Японский дух №14»
Тэммёя Хисаси — современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.
Школа китайской живописи У-Син
Техника китайской живописи У-Син родилась в древнем Китае. Это изобразительное искусство Китая уходит своими корнями в вечность. У-Син — это система пяти первоэлементов (вода, огонь, дерево, земля и металл). Этим первоэлементам придаётся огромное значение во всей традиционной китайской философии, науке и медицине; упоминания о них часто встречаются в китайских текстах; без них немыслимы китайский фольклор и искусство.
Живопись У-Син — это психофизическая практика, которая позволит прикоснуться к древнему искусству, развить творческое и нестандартное мышление, научиться управлять эмоциями, открыть в себе талант художника, избавиться от усталости и стрессов. Живопись У-Син имеет сильное арт-терапевтическое влияние.
Курсы китайской живописи в последнее время приобретают всё большую популярность во всём мире, уроки, как правило, проходят в тёплой дружеской атмосфере в сопровождении восточной музыки.
Период Шоуа (Showa)
Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai).Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников, и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось.После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге. Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею заведовала отдельная частная корпорация. Участие в Ниттен фактически стало предпосылкой к принятию в Японскую Академию искусств, что, в свою очередь, являлось предпосылкой к получению Ордена Культуры.
Устройство японской бани офуро
По своей сути офуро представляет собой бочку, сделанную из кедра, лиственницы или же дуба. Она может быть круглой или прямоугольной, ее высота около 80 см, диаметр, если она круглая, около 1 м, если же она прямоугольная, то ее ширина с длиной 1х1,5 м. В такой бочке человек находится в полулежащем положении в горячей воде. Вода нагревается до нужной температуры специальной электрической печкой, встроенной в дно бочки. В древние времена для этого использовались горячие камни или же конструкция бочки прилегала к стенке печи и нагревалась от нее. Сейчас же процесс нагревания воды значительно упростился.
Исходя из описания конструкции офуро, легко понять основное отличие японской бани от западных саун – здесь тело человека нагревается не за счет высокой температуры пара, а посредством его погружения в горячую воду. Можно сказать, что это скорее купальня, чем парная, только температура воды очень высокая и понежиться в ней долго не получится.
Эпоха перемен
XVI—XVII века стали временем больших перемен в Китае. В Поднебесную проникают европейцы — португальцы, испанцы, голландцы, в стране появляются и христианские миссионеры — иезуиты. Они привозят в Китай новые инструменты и механизмы — часы, астрономические приборы, огнестрельное оружие.
Китай начинает всё сильнее подвергаться культурному влиянию европейцев. И как следствие происходит трансформация китайской живописи.
Одним из интереснейших китайских художников эпохи Цин является Джузеппе Кастильоне. Его жизненный путь был весьма любопытен — Кастильоне волею судьбы попадает из родного Милана в далекий Пекин.
Джузеппе Кастильоне (1688—1766), итальянский монах-иезуит, миссионер и придворный художник. Именно он стал первым художником, совместившим китайские и европейские традиции в своём рисунке.
Своими работами, а также уроками живописи, Кастильоне знакомит китайцев с европейской техникой рисования, требовавшей соблюдения законов перспективы, пропорции и светотени. Так же он знакомит китайцев с таким жанрами европейского изобразительного искусства как масляная живопись.
Джузеппе Кастильоне. Император Цяньлун в церемониальных доспехах на коне. 1739 или 1758 Шёлк, чернила и краска. 322,5 × 232 см. Дворцовый музей, Запретный город
Начиная со времён Кастильоне западный стиль живописи, приобретают в Китае всё большую популярность.
Среди китайской мастеров росло число приверженцев западной культуры. В XIX веке Шанхай стал центром торговли с европейцами. Сюда устремляются многие китайские художники, желающие изучить европейские традиции и техники живописи. Так родилась Шанхайская школа живописи, ныне — самая известная.
C началом XX века в китайской живописи начался период «100 школ», которые проповедовали отход от традиций и жанровую импровизацию.
Древняя Япония
Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны. Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г. до н. э. — 300г. н. э.). Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг. н. э.).С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле.
Можно выделить следующие исторические периоды японской живописи:
Настенная живопись в гробнице Такамацузука (Takamatsuzuka)
Периоды Хэйан (Heian) и Камакура (Kamakura)
С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto).
С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.
С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto). С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.
Иллюстрация из свитка «Сказания о Генджи» (Tale of Genji) (фрагмент)
К середине периода Хэйан, китайский стиль живописи кара-и потерял связь с ямато-и, который изначально использовался для росписи скользящих дверей и складных ширм. Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari)), исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba)) и религиозные записи. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Произведение Генджи Моногатари разделено на небольшие эпизоды, тогда как более яркое Бан Дайногон Экотоба использует продолжительную и обширную иллюстрацию, изображающую персонажей в движении, нарисованную быстрыми штрихами кисти, неяркими, ноконтрастными цветами. «Осада дворца Санджо» (Siege of the Sanjō Palace) — еще один знаменитый пример этого стиля.
И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины). Между этими стилями существует множество значительных отличий, вызванных разницей эстетических предпочтений полов. Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Стиль онна-и, представленный в свитке «Сказание о Генджи», обычно изображает жизнь при дворе, чаще всего жизнь придворных дам, и романтические сюжеты. Стиль отоко-и, наоборот, обычно использовался для изображения исторических событий, чаще всего битв.
Эти стили продолжали существовать и в период Камакура (Kamakura, 1180-1333). И-маки различных видов продолжали создавать; однако, период Камакура гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.
Так как большинство произведений живописи периодов Хэйан и Камакура религиозны, художники чаще всего были анонимны.
Известные японские художники периода Эдо:
- Тауарайя Сотатсу (Tawaraya Sōtatsu, 1643)
- Огата Корин (Ogata Korin, 1658-1716)
- Маруяма Окио (Maruyama Okyo, 1733-1795)
- Матсумура Гошун (Matsumura Goshun, 1752-1811)
- Ито Якучу (Ito Jakuchu, 1716-1800)
- Джион Нинкий (Gion Nankai, 1677-1751)
- Сакаки Хьякусен (Sakaki Hyakusen, 1697-1752)
- Янагисава Киен (Yanagisawa Kien, 1704-1758)
- Ике но Таига (Ike no Taiga, 1723-1776)
- Йоса Бусон (Yosa Buson, 1716-1783)
- Урагами Гиукудо (Uragami Gyokudo, 1745-1820)
- Окада Бейсанджин (Okada Beisanjin, 1744-1820)
- Катсушика Хокусай (Katsushika Hokusai, 1760-1849)
- Тани Бунчо (Tani Buncho, 1763-1840)
- Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden, 1777-1835)
- Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu, 1783-1856)
- Ватанабе Казан (Watanabe Kazan, 1793-1841)
- Шибата Зешин (Shibata Zeshin, 1807-1891)
- Томиока Тессаи (Tomioka Tessai, 1836-1924)
Период Тайшо (Taisho)
Пейзаж, худ. Кишида Рюзей (Kishida Ryusei)
В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma)), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен, и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и, использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой.
